Pieza de Mozart: Marcha Turca.

 

A partir de esta pieza de música de Mozart, realizaremos un juego sencillo, utilizando movimientos con cualquier parte de nuestro cuerpo (pies, manos (palmadas), rodillas...) que se pueda imitar y hacerlo en ese mismo momento. Lo haremos para toda la pieza, y lo escribiremos para que no se nos olvide (dibujando la parte del cuerpo que utilizamos y las notas a continuación).

Un ejemplo de esta actividad es el Concierto de Año Nuevo (menos el de este año 2020), donde vemos que siempre la última pieza es muy conocida y el director interviene con el público, dando palmadas: 

Juego de lenguaje musical: 

Teclado con bemoles y sostenidos.

  Recordaremos para siempre que delante de DOS negras, siempre hay un DO. La siguiente nota es un RE. Y entre el DO y el RE, hay un DO que sube y un RE que baja, es decir, un DO Sostenido y un RE Bemol. 

Acordarnos de esto: DOS

Una vez que nos aprendamos las teclas, es universal para cualquier otro instrumento que lleve teclas. 

Las notas en inglés se marcan con letras: 

  A ----- LA

B ----- SI

   C ----- DO

   D ----- RE

  E ----- MI

   F ----- FA 

     G ---- SOL 

¿Cuál es el origen de las notas musicales?

 El origen de las notas musicales data de las primeras décadas del Siglo XI, cuando el monje benedictino Guido D´Arezzo usó un himno que se solía cantar en las vísperas de la celebración de San Juan Bautista y tomó las primeras letras de cada párrafo para crear estas notas.

Este himno tenía la particularidad de que a cada estrofa iba subiendo la entonación que se debía realizar, por lo que era perfecto para las intenciones del monje. El himno es el siguiente:

Ut queant laxis

Resonare fibris

Mira gestorum

Famuli torum

Solve polluti

Labii reatum

Sancte Iohannes

Y el himno cantado:

La traducción  del himno es la siguiente: 

“Para que tus siervos puedan hacer resonar a pleno eco lo maravilloso de tus gestas, limpia los labios impuros San Juan”.

Como hemos nombrado anteriormente, Guido D´Arezzo cogió las primeras letras de cada línea del himno: Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si (de esta última prefirió coger las iniciales de San Juan); llamando a este sistema “solmización”, y sustituyendo al anterior sistema que nombraba las notas según las primeras letras del abecedario (A, B, C, D, E, F, G).

No será hasta el Siglo XVII cuando se cambie “Ut” por “Do”, mucho más fácil de cantar por terminar en vocal.

Conocemos a Carl Orff.

  Durante todas estas clases, estamos conociendo a algunos de los pedagogos más relevantes. Hoy vamos a conocer a Carl Orff, que junto a Kodaly fueron de los más influyentes.

Carl Orff fue un gran compositor, que vivió en un época muy dramática de Alemania. Él era de Baviera y su familia estaba vinculada al ejército alemán. Fue un músico bastante desconocido y siempre estuvo muy interesado en las tradiciones bávaras, mezclado por un interés tradicional (ideas griegas y tradiciones bavieras).

Se encuentran en un monasterio de Baviera, unos escritos en latín, y Carl Orff, decide hacer una obra a lo grande. Dentro del repertorio clásico, la obra que le hizo mundialmente famoso fue O Fortuna-Carmina Burana. 

En la obra de Carl Orff siempre hay muchísimos músicos, mete todos los instrumentos posibles, incluso 3 solistas y hasta un coro de niños. Llama mucho la atención los 2 pianos y la celesta.

Carmina burana tiene muchos poemas, él los va fragmentando y va introduciendo la música y el baile (ballet).

Carmina Burana significa poemas bavaros. Estos poemas tratan de la rueda de la vida. En el mejor momento de nuestra vida somos como reyes, pero nunca sabremos donde llegaremos a estar. En el centro estaría Jesucristo y nosotros estaríamos de un lado a otro.  

Estos poemas hablan de esto, y Carl Orff decidió ponerle música a esta letra en latín. También le puso danza, lo que realmente es un ballet.

Esta versión con ballet es la mejor sin duda, el coro y la orquesta están en el foso y en el escenario los bailarines.

 

¿Por qué Carl Orff intenta hacer de todo?

Es importante ubicar la época, fue en 1936, cuando eran los Juegos Olímpicos en Berlín. En esta época no había tele, todo se comunicaba a través de la prensa.

La verdadera pretensión de Carl Orff es que buscaba el arte total, es decir, que todas las artes fueran en la misma dirección, en un solo espectáculo. En la obra de la que estamos hablando hay literatura (la letra), danza (ballet), puesta de escena (aquí encontraríamos las artes plásticas) y música (multidisciplinar).

¿De dónde le viene a Carl Orff esta idea de buscar el arte total?

La palabra música está llena de historia y tiene un significado muy hermoso. Esta palabra procede de la expresión latina “ars musica“, que es una copia del griego “mousiké téchne” que quiere decir “arte música” o, lo que es lo mismo, “arte de las musas“. Es por esta razón que la “música” es el arte de las musas.

La musa Euterpe, representa la música.

El concepto de música en la antigua Grecia era algo global, el arte de las musas era juntarlo todo, la poesía, la música y la danza. Es decir, hacer música era hacer todo eso.

Que casualidad que Carl Orff represente música, poesía y danza. ¿Qué nos quiere decir Orff con esta estética?

El concibe el concepto clásico de música, a la Antigua Grecia. Carl Orff lo que realmente estaba diciendo es que la música que hacían los otros compositores, no era música.  Ojo con la frase.

Sino hacemos esas tres cosas juntas no estamos haciendo música.

En la Alemania vanguardista de los años 20 y 30, una época llena de compositores vanguardistas era inimaginable que viniera un compositor, Carl Orff, a decirles que lo que estaban haciendo no era música, los compositores de su época se rien de él, lo toman por bobo. Realmente lo que Carl Orff estaba haciendo era algo revolucionario y tuvo suerte porque esta obra tuvo mucho éxito, fue a partir de ese momento cuando le empezaron a tomar en serio.

Es importante saber que el concepto de la música es lo que hacen las musas y como las musas hacen varios artes, la música es la unión de todos esos artes.

Esta unión de poesía, sonido y danza, es la música del concepto antiguo, para Orff del concepto original. Se podría decir que era neorenacimiento, mientras que todos los demás compositores de su época se definían más como neovanguardistas. 

De ahí viene el movimiento de Orff shuleg (trabajo escolar de Orff). Consigue entrar dentro de la pedagogía y la educación y esto entra muy de lleno en las escuelas alemanas, después tuvo un éxito internacional y de hecho llegó a España. A día de hoy hay colegios que siguen esta metodología. 

• Para más información: 

Así suena una celesta: 

Lectura de notas y figuras musicales.

Durante la clase de hoy hemos realizado dos actividades, una de ellas de lectura de notas y la otra de corregir figuras musicales. 

• Actividad 1: Partitura.

 Esta actividad consiste en adivinar qué notas son. Veremos que hay compases en Clave de Sol y compases en Clave de Fa. Todas las notas las escribimos como siempre (Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si) excepto el primer compás de Clave de Sol y el último de Clave de Fa, que lo escribiremos en inglés, es decir, con letras (A, B, C, D, E, F, G).

• Actividad 2: Compases. 

En esta actividad marcaremos que compases están bien y cuales están mal, en éstos corregiremos el error. 

Para hacer esta actividad correctamente, tenemos que saber que es el puntillo musical. Cuando aparece este puntillo al lado de alguna nota significa que se le añade la mitad de lo que valga. Es decir, si es una blanca con puntillo, duraría 3 tiempos. 

Conocemos a Kodály.

 Este autor, junto al siguiente que estudiaremos, son los más importantes que a día de hoy siguen siendo bastante actuales, son los que perduran.

Fue un folklorista húngaro, músico, se interesó por la pedagogía, en definitiva, un humanista.

Todo esto hace que bajo su persona se alumbre una escuela de educación musical que recoge una tradición. Ésta es la tradición de educación musical en el canto, como en iglesias, coros…, que por supuesto, está ligado a las alabanzas.

A partir de la enseñanza musical basada en el canto, han surgido varias pedagogías. Estas pedagogías incluyen la enseñanza del canto y la enseñanza de la escritura musical.

El origen de las notas viene de esta tradición. Contar las notas con los dedos de la mano, significar notas, tanto agudos como graves con las manos.

La idea que hace acercarse a la educación musical es “cantos para todo el mundo”, es decir, que todo el mundo pudiera ser capaz de cantar, y por lo tanto eran cantos sencillos. Para que esta idea se consiguiera, aportaban recursos, como, por ejemplo, representar las notas con las manos, como he nombrado anteriormente.

En definitiva, esta tradición religiosa llegó a las escuelas, enseñando a cantar a los niños y niñas.

En este momento, paso algo curioso. En Hungría que era un país comunista, y por lo tanto ateo, hubo un intento político por llevar el arte a la población. Kodály estaría aquí presente, para que a través del patrimonio de sus propias raíces, se enseñara el folklore, es decir, la cultura el pueblo, la cultura popular.

Se ve muy bien aceptado y todo el país se vuelca con ello. Se trata de tener patrimonio cultural, esta idea es lo más importante.

Kodály tuvo mucha importancia y acabó teniendo la etiqueta de “Método Kodály”.

Se sistematizó. Se conoce como Método Kodaly a la unión la tradición de canto Europeo, coge el folklore e ideas de su país y con todo esto monta un sistema educativo que incorpora a la escuela. Él fue el ideólogo y después tuvo muchos seguidores.

Hoy en día se conoce como Método Kodály a toda una pedagogía basada en la enseñanza del canto coral escolar, orientada a la técnica vocal, la lectura musical y el folklore. Es decir, que los niños aprendan a cantar y a cantar bien, a desarrollar su oído y a leer música y que todo esto lo hagan a través de un repertorio basado en la música popular de su país, es decir, de su folklore.

Esta idea caló poco a poco en casi todos los países. Y a día de hoy se siguen enseñando con los signos de la mano, signos Kodalyanos.

Hemos visto un documento que nos habla sobre la metodología aplicada a la escuela de primaria.

Es curioso que esto se produzca en Hungría, ya que unos 300 años antes, hubo antes por allí otro gran pedagogo Comenius, que ya comentó la idea de “enseñar todo a todos” Esta idea de la educación universal, es recogida en el siglo XX por Kodály.

Después hemos visto 3 vídeos de Kodály:

-        - Kodaly Rhythm Syllables.

Las sílabas que utilizó Kodály para leer notas. Esto se sigue utilizando hoy en día.

-       - The Kodaly Method.

     Aquí podemos ver el sistema del solfeo movible, donde el Do puede comenzar en cualquier otra nota. El nombre de las notas no representa una afinación fija, sino movible. 

-       - Música para crecer – Método Kodály.

La música tiene un gran componente emocional muy fuerte que genera dependencia como el deporte.

Para terminar, hemos visto la página web del Instituto Kodály en Hungría, junto a Liszt Academy. Es un sitio que se puede visitar y donde podemos matricularnos también para hacer un máster por ejemplo. Tiene programas de educación musical muy interesantes.

Aquí se puede acceder a su página web: https://kodaly.hu/

Dia del xilófono – Segunda clase presencial.

 El día 9 de Marzo fuimos a la segunda clase presencial de Didáctica de la música con nuestro profesor Alfonso. Ante esta situación en la que nos seguimos encontramos, nada más llegar al aula tomamos las medidas necesarias para comenzar la clase. 

A continuación comenzamos a coger un xilófono cada uno, unos tenían los xilófonos de madera y otros el metalófono. En esta clase yo cogí un xilófono de madera.

Cuando ya todos teníamos nuestros xilófonos y las baquetas, comenzamos a ensayar las partituras 9 y 10. Estas partituras eran más complicadas que las anteriores y por lo tanto necesitábamos más tiempo de práctica. Estas partituras podemos utilizarlas con nuestros alumnos en primaria, siempre teniendo en cuenta que son un poco más complicadas. Las partituras estaban divididas en xilófonos (de madera) y metalófono. Por lo tanto, mientras unos tocaban, otros esperaban su turno. 

 A medida que íbamos practicando las diferentes partituras, podíamos observar lo rápido que habíamos mejorado en tan poco tiempo. Finalmente pudimos grabar 2 pequeñas partituras.

-Como conclusión de esta segunda clase: 

Cada vez me gusta más tocar el xilófono, ya que también noto la mejora poco a poco, cada vez que tocamos una partitura.

Sigo pensando que ser capaz de realizar esos sonidos tan bonitos en tan poco tiempo da mucha alegría. Por lo tanto, a mis alumnos les pasará lo mismo, y se podrán sentir "pequeños músicos". 

Estas partituras sin duda las llevaré a cabo en mi aula con mis futuros alumnos. 

 

Pedagogía del lenguaje musical II.

• Es importante que sepamos que en música, el término ANACRUSA hace referencia a la nota o grupo de notas sin acento que preceden al primer tiempo fuerte de una frase y que, por lo tanto, aparecen antes de la barra de compás.

   • Al comenzar la clase se han entado comprobando nuestras canciones y corrigiéndolas. Un truco para no equivocarnos al poner las notas musicales a las canciones es seguir con la mano el pulso y a su vez silbar la canción, así vemos que tono entraría en cada pulso. 

   • Después hemos utilizado las tablas de multiplicar para poner las notas respectivas, en este caso hemos utilizado la tabla del 2 y también la canción del himno de la alegría.

   Hemos hablado de que no es casualidad que las canciones infantiles utilicen únicamente negras y corcheas, ya que es lo más sencillo para los pequeños.  

     Algunos de los ejemplos que hemos podido ver en clase, son: 

      -El patio de mi casa.

      -Tengo una muñeca vestida de azul. 

    Ya que es un tema que vamos a trabajar con nuestros alumnos, y además es importante para nuestra formación, a continuación, expongo algunas de las recopilaciones que he hecho de canciones tradicionales con sus respectivas partituras:

      -Tengo una vaca lechera.

-Tengo, tengo, tengo.

      -Un elefante se balanceaba. 

      -Pin pon es un muñeco. 

      -Bajo un botón, que encontró Martín. 

Introducción al Folklore.

 Durante la clase de hoy hemos introducido un preámbulo para en la siguiente clase hablar de Kodály.

Es importante que sepamos que Kodáyl fue endomusicólogo, un folclorista, es decir, un estudioso del folclore de su país, y a raíz del estudio del folclore,  ideó y diseñó un método pedagógico del canto coral de las escuelas.

Por eso es importante que conozcamos a lo que nos referimos con folklore: música tradicional, es decir, la música típica de una cultura y unas tradiciones.

También nombraremos a algunos estudiosos del folklore, a lo largo del post.

-Hay un centro cultural llamada “La Corrala” (La Latina) que pertenece a la UAM, entre otras cosas tiene un museo endográfico, donde se pueden ver las costumbres populares, los usos y costumbres de la vida cotidiana de los diferentes pueblos.

Aquí podemos hacer excursiones con nuestra clase, pueden hacer actividades, hay una biblioteca, exposiciones…

En Madrid también podemos ver El Museo del Traje.

-El CSIC ofrece un fondo de folklore, es decir, un fondo de música tradicional.

Esta es la página web: https://musicatradicional.eu/es/home

Aquí nos vamos a encontrar con muchísimas canciones populares. Algunas de las canciones que hemos comentado han sido La Tarara, Tengo diez perritos (de Aranjuez)...

A Federíco García Lorca también le interesaba el folclore, de hecho, utilizó La Tarara en uno de sus poemas y le puso música.

Lorca era poeta, escritor de teatro y además, músico. Muchas de las piezas de Lorca son canciones tradicionales.

En la página web del CSIC Fondo de música tradicional, es muy fácil de consultar, también podemos encontrar canciones de cunas en la pestaña de género.

Hemos escuchado la versión de Pasión Vega-La Tarara, es una versión muy chula.

-Fundación Joaquín Díaz, en Urueña (Valladolid). Fundamental que lo conozcamos.

Es un pueblecito de Valladolidid, y a los que nos gusta la literatura y lo tradicional es perfecto. Podemos encontrar un museo de Delives, y además podemos encontrarnos con muchísimas librerías de libros antiquísimos.

En Urueña podemos encontrarnos con la Fundación Joaquín Díaz, ha estado recopilando canciones tradicionales y también graba sus propias versiones. Joaquín Díaz, es un músico folc.

Lo interesante de este sitio es que podemos ver la página web en el caso de no poder ir a visitarlo personalmente, en la pestaña de Revista de Folklore, podemos comprobar que están los archivos en mp3, así podemos escucharlo.  A lo largo de los años ha hecho un museo, como el museo de instrumentos…

 

Por otra parte, es fundamental conocer como maestros a estos autores:

-Felipe Pedrell, compositor muy importante, fue uno de los primeros canciones españoles y de instrumentos antiguos españoles.

-Rafael Benedito Vives, fue director de orquesta y coro. Dio clases en el Instituto-escuela.

-Giner de los Ríos: fue un pedagogo, filosofo y profesor de pie de calle.

Creó la Fundación Institución libre de enseñanza.

La Institución libre de enseñanza se puede visitar en Madrid, la Fundación Giner de los Ríos.

Es fundamental que lo conozcamos,  ya que forma parte de la historia de la educación española.

La página web es la siguiente: https://www.fundacionginer.org/index.htm

Giner de los Ríos seguía el crausismo, esta filosofía de vida unía  e integraba al ser humano con la naturaleza. La educación está conectada con la vida. “Un día de campo vale más que un día de clase”.

Él abogaba por una escuela y una enseñanza libre y entre otras muchas cosas, por eso creó la Fundación Institución libre de la enseñanza. Fue un gran proyecto de la educación española.

Le dio importancia a la experimentación, la investigación y el folklore. Los niños cantaban canciones populares. Juan Ramón Jiménez, Lorca, Ramón y Cajal estudiaron aquí.

Hoy en día la fundación sigue funcionando como una fundación.

Cuando la ILE se queda un poco obsoleta, el estado funda el instituto-escuela, y de ahí surgió  el colegio-estudio, sale del instituto-escuela. A día de hoy el colegio-estudio es privado.

Todas estas instituciones forman parte del patrimonio del movimiento de renovación pedagógica que hubo en la educación española.

Uno de los profesores de música que trabajó en el instituto-escuela fue Rafael Benedito Vives. Enseñaba a cantar a los niños a través del folklore.

En el ILE, hay una exposición de Laboratorios de la Nueva Educación, chulísima que también nos anima a ir, también podemos ver  que hay un máster privado.

Podemos ver la información en el siguiente link: https://laboratorios.fundacionginer.org/

El folklore tuvo mucha importancia en la educación. 

-En el cancionero popular de la ILE, podemos encontrar muchísimas canciones populares. 

Pedagogía del lenguaje musical.

 ¿Cómo enseñar lenguaje musical?

𑁉 Las palabras con sólo 1 sílaba se pueden asociar a una negra. Como, por ejemplo: sol, mar, flor, pan, luz, pez, yo, tú, él…

𑁉 Las palabras con 2 sílabas que sean llanas se pueden asociar a 2 corcheas. Como, por ejemplo: luna, árbol, mesa, casa, silla, agua, cama, cuna…

𑁉 Las palabras con 4 sílabas que sean sobresdrújulas se pueden asociar a 4 semicorcheas. Como, por ejemplo: ábremelo, cómetelo, cántaselo…

Una casa con luz | Otra casa con sol → ♫ ♫ ♩ ♩ | ♫ ♫ ♩ ♩

Míra como móla → miracómo (serían 4 semicorcheas con la línea arriba ♬) móla (serían 2 corcheas ♫) 

A través de la metodología que hemos utilizado, podemos enseñar a nuestros alumnos lo que es una negra, una blanca, una corchea… de una manera tan sencilla como el estar hablando de una casa con luz y otra casa con sol. 

Todas las canciones musicales infantiles se pueden transcribir la letra a escritura musical,de hecho, coincide la letra con las corcheas, negras, blancas y silencios. De hecho, para que viésemos que esto se cumple, hemos visto la transcripción de la canción “Tengo una muñeca vestida de azul”. 

A continuación, pongo la imagen donde se ve la letra de la canción, junto a la métrica, es decir, el ritmo. Debemos tener en cuenta que las sinalefas hay que respetarlas, por eso vemos uniones de vocales.

Una vez dados estos términos y ver algún ejemplo, he realizado una composición rítmica, que trata de la luna. A continuación dejo una imagen donde aparece la letra de la canción con la métrica debajo, y una pequeña grabación de audio interpretando mi canción. 

Al comienzo de la canción, tenemos que tener en cuenta que la primera palabra "La", es una anacrusa. 

Dando clic en el siguiente audio podemos escuchar la interpretación de mi canción: 

Final de Dalcroze y Edgar Willems.

 

En la clase de hoy, para terminar de hablar de Dalcroze, hemos hablado de una escuela que se encuentra en Cataluña, la Escola de Música Joan Llongueres.

Hemos visualizado unos vídeos de esta escuela: Nadal Rítmica, Núria Trias Llongueres, Escola de Música Joan Llongueres.

Efectivamente, utilizan una metodología basada en el movimiento.

¿Qué diferencias hay entre este video y el de la semana pasada de la escuela Suiza?

La principal diferencia que hay es que no hay un uso de un instrumento para llevar la clase, no es necesario.  La rítmica de Dalcroze ha evolucionado, y en este colegio lo hacen.

En el segundo  video se habla de como surgió esta forma de dar clase, utilizan la metodología de la rítmica Dalcroze, funciona a través del movimiento y la vivencia musical.

Es una escuela donde se hace una formación continua de profesorados. Esto nos puede interesar a nosotros como maestros, realizar un postgrado en esa escuela.

La página web del colegio es: Joanllongueres.com

A partir de los 4 años los niños no van acompañados a estas clases. Sin embargo, desde los 2 hasta los 4 los padres, madres o abuelos les acompañan.

 

El siguiente autor que hemos visto se llama Edgar Willems.

Nació en Bélgica, aunque luego pasa su vida en Suiza.

La diferencia entre Dalcroze y Willems es que, éste último  es más teórico y se interesa más por los procesos psicológicos. Es un autor que está muy influenciado por Piaget, por lo tanto le interesa mucho estudiar la educación musical desde un punto de vista evolutivo.

Lo que Willems intentó fue contestar a la siguiente pregunta: ¿cuáles son los procesos psicológicos a través de los cuales aprendemos música?

Escribió varios libros, entre los que destaca “El valor humano de la educación musical”.

Este autor leyó mucho sobre el movimiento antroposófico de Rudolf Steiner (que sustenta la metodología de las escuelas Waldorf).

Cualquier manifestación musical folclórica-ancestral, encontramos siempre el elemento rítmico, por lo cual el pensaba que esto era algo instintivo.

¿Con qué parte del cerebro está relacionado la música? Con la parte emocional, ya que las melodías son las que nos sensibilizan. Asociar las melodías al estado emocional, está en nuestra cultura. Al cerebro le es muy fácil vincular una melodía con una situación emocional. Y este es el éxito del mercado mundial de las canciones. Usamos la música como terapia personal.

En Fédération Internationale Willems, podemos encontrar la página web:  fi-willems.org

Es un movimiento eco-educativo porque Willems se preocupó por el ser humano y de la naturaleza, a través de la música.  

Willems defiende que aprendemos a hacer música al igual que hablamos. Por eso muchas de sus propuestas didácticas comienzan con recitados, poesías… que utiliza para realizar las actividades musicales.

Después hemos visto dos videos de youtube “Metodología Willems” y “Iniciación Musical 1º curso, escuela integral de música de burgos”

La mayoría de los inputs que reciben los niños les llega a través del oído. Los niños reaccionan a través del sonido que hace. Aquí lo importante es la audición, más que los medios importa la psicología y la filosofía de aprendizaje, pero quizá los resultados educativos no son tan espectaculares como en Dalcroze.

Por eso Willems se quedó como un pedagogo musical teórico, ya que explica muy bien como se produce la audición, como se genera la memoria musical, a que edades se fijan en los ritmos, melodías…

Quizá por eso en Madrid no llegó a calar, pero desde el punto de vista teórico Willems tiene libros muy interesantes.